Pierre Auguste Renoir fue un pintor impresionista, alumno del reconocido Charles Gleyre al igual que Monet, Sisley y Bazille. Era talentoso, pero constantemente recibía críticas de su maestro.

- ¡Auguste! ¡Usted pinta por diversión!-, le recriminaba Gleyre mientras pasaba revista a las imágenes optimistas que concebía el joven artista.
- Puede usted estar seguro de que yo no pintaría si no me divirtiera-, solía responderle con una sonrisa.

Renoir fue uno de los artistas más prolíficos que dio la historia del arte, se le conocen más de cuatro mil obras, número que supera las producciones de Manet, Cézanne y Degas juntas. Ni su avanzada crisis de reumatismo logró detenerlo sobre el final de su vida, se ataba los pinceles a sus dedos paralizados y continuaba trabajando. ¡No se necesitan manos para pintar!, exclamaba a grito pleno.

Una tarde, poco tiempo antes de que quede definitivamente postrado en una silla de ruedas, se acercó a su taller el representante de una famosa marca de perfume francés, con la intención de que le hiciera un dibujo para la etiqueta de una nueva línea. El maestro tomó un papel y una carbonilla y en tres trazos bocetó una figura femenina. El representante no salía de su asombro. Me gusta mucho, cuánto le debo, preguntó. La cifra que pronunció Renoir era similar a la de una propiedad mediana en un barrio de París.

- ¿Cómo le voy a pagar semejante cifra por un dibujo que hizo en cinco minutos?-, volvió a preguntar, esta vez fastidiado.
- Son cinco minutos más sesenta años de experiencia-, le respondió.

El representante regresó a su oficina con las manos vacías. Dicen que pasó largos meses sin hacer preguntas.

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Imágenes de Renoir
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Únicamente máquinas de escribir. Jeremy Mayer es un artista transformador, género que también puede encontrarse como reciclaje creativo. Convierte las viejas maquinas de escribir en esculturas y robots. El resultado es sorprendente, las obras parecen viajeros del tiempo, personajes de ciencia ficción llegados de principios del siglo pasado, automáticos a baja escala.

Mayer es un loquito de las ciencias. Su búsqueda conceptual es emular a la naturaleza. “Me detengo en cualquier adelanto científico y sigo todo aquello que se relacione con sistemas naturales. Me fascina la ingeniería molecular y la biotecnología. Considero que son los dos grandes campos desde donde luego se ramifican las nuevas tecnologías. Estos saberes son los que alimentan mis esculturas”, comenta.

Su trabajo es desarmar las máquinas de escribir y reensamblarlas en figuras humanas. No utiliza soldaduras, ni pegamentos ni ningún tratamiento que necesite calor. Con las mismas piezas de las máquinas arma sus esculturas, sin agregados de ningún tipo.

Comenzó su carrera en 1994, en un pequeño pueblo estadounidense, en el estado de Iowa. La máquina es para él un producto de la naturaleza, diseñada por mentes inmersas en la naturaleza que los rodea: las curvas, la geometría, el intrincado mapa de procesos psicológicos que conforman la vida.

Jeremy Mayer

La vida de Pablo Picasso comenzó con un estornudo. Nació muerto, al menos eso anunció la partera antes de abandonarlo sobre una mesa. Su tío Salvador, reconocido médico de Málaga, quiso hacer un último examen, lo levantó y sin quitarse el cigarro de la boca lo llevó hacia la ventana. El humo se deslizó dentro de la pequeña naricita. El resto es fácil de imaginar.

La resurrección de Picasso es un detalle en su vida. Hay miles de anécdotas. Por ejemplo, era un coleccionista empedernido. Y a cualquier costo. En 1910 compró una colección de esculturas ibéricas que había sido robada del museo de Louvre: dos cabezas del siglo III a.c. halladas en el Cerro de los Santos, cerca de Albacete. Las obtuvo a través de su amigo y poeta Guillaume Apollinaire; su secretario personal, Géry Pieret, fue quien ejecutó el robo. Las investigaciones avanzaron y ya no había duda alguna de que el famoso pintor las tenía en su casa. Aún así, Picasso se negaba a devolverlas. Nutren mi creación, decía. Las esculturas fueron entregadas en forma anónima a través del Paris Journal a los pocos meses. Desde ese momento su trabajo giró hacia la simplificación formal que inspira el arte ibérico, y que fue determinante en el estilo reflejado en Las señoritas de Avignon, su obra máxima, primer grito del arte moderno.

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Imágenes de Picasso
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El hiperrealismo de ser sólo una copia exacta de la realidad no tendría ningún sentido, sería sólo un goce tecnicista. Para hacer lo mismo que la realidad está la realidad. Aún así, el hiperrealismo tiene su razón de ser, el artista manipula otras variables para hacer de la copia una pieza artística.

El escultor australiano Ron Mueck es un especialista, y un exquisito. Además de cincelar cuerpos humanos con absoluto detalle, poros, lunares, puntos negros, vello, arrugas, lágrimas, etc., ubica sus creaciones en un tamaño y en situaciones totalmente ajenas a lo cotidiano. Por ejemplo, su obra A girl es un bebé hiperrealista de seis metros de alto.

Mueck (Melbourne, 1958) llegó al mundo del arte casi por error. Desde finales de los años setenta hasta mediados de los ochenta se dedicó a la producción de efectos especiales para televisión y cine. En 1986 se trasladó a Los Angeles y posteriormente a Londres, en donde realizó durante seis años anuncios publicitarios. Recién una década después desarrolla su primera exposición. Desde entonces, ha ido logrado un ascenso imparable gracias a un lenguaje sólido dentro de la escultura contemporánea.

Sus piezas están construidas con silicona y acrílico en su gran mayoría. Además de concebir un arte plenamente contemplativo, todo es perfecto hasta el mínimo detalle, el concepto que trabaja lo ha convertido en uno de los grandes escultores contemporáneos. Uno de los trabajos que lo catapultó a la fama es Dead Dad, una representación exacta del cuerpo de su padre, ya fallecido, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final.

Ron Mueck

Corría el año 1931. Astor Piazzolla todavía no era Astor Piazzolla. Tenía apenas 10 años y vivía en Nueva York con su familia: su madre, Asunta, y su padre, Vicente. Nonino y Nonina. Su tío Pablo, que vivía en las afueras de la ciudad, arrastraba un serio problema de deudas. Los Piazzolla no estaban en un gran momento, casi se podría decir lo contrario. El pequeño Astor, para financiar sus travesuras, lustraba zapatos en la calle con su amigo Willy, un ruso. También tocaba la armónica. El negocio era rentable pero no alcanzaba para ayudar.

Pese a las adversidades, decidieron echarle una mano al tío Pablo. Asunta preparó en la bañera del departamento unos quince litros de vermouth. Receta familiar. Eran épocas de ley seca, vender alcohol era un delito en los Estados Unidos. La restricción elevaba la cotización sideralmente, pero alguien tenía que correr el riesgo. Una noche decidieron llevarle el cargamento a Pablo; Vicente iría en moto con las botellas en el sidecar. En la esquina exacta de la casa cumplía con su turno un policía irlandés, aunque conocido de la familia, era mejor que no haga preguntas. Entonces fue necesaria la ayuda del pequeño Astor. Se sentó arriba de los envases, se tapó con una manta y salieron a la calle. Eran casi las nueve y media de la noche. El irlandés los vio pasar y saludó con una reverencia. Misión cumplida.

James Auger y Jimmy Loizeau son dos artistas británicos conceptuales que enfocan su obra en la tecnología. Son también inventores y de hecho prefieren denominarse de ese modo, aunque muchas de sus creaciones han trascendido artísticamente.

Una de sus primeras creaciones fue un dispositivo que se instala en la cola de los perros, creada a partir de luces de leds, que generan mensajes en el aire. Aprovechan el movimiento para escribir frases simples.

Su último trabajo, Smell, es una exploración sobre la potencialidad del olor. Tanto en la interacción humana como en su comportamiento. Cada cuerpo emana un olor propio, que es consecuencia de su contexto. Su trabajo hormonal. La idea de Smell es crear un vínculo a ciegas, donde las personas se conocen a través del olor, como una cita a ciegas: generar una relación olorífica u olorosa. La obra consiste en dos aparatos, que encierran las axilas, los genitales, el aliento y el pecho y se comunican con la nariz de otra persona. El tubo de conexión pasa a través de una pared. Los participantes están desnudos y no se ven entre sí.

Pero su mayor éxito es el Iso-phone, un sistema que conecta a dos personas que están flotando en piletas ubicadas en distintos países del mundo. Es una comunicación lineal donde interactúan dos personas que no se conocen, ni saben dónde están. El concepto madre es bloquear todos los sentidos y cualquier elemento que produzca distracción. La comunicación sucede sin percepción alguna del mundo exterior.

El agua de la pileta, que tiene más de dos metros y medio de profundidad, se mantiene a temperatura corporal para que los participantes puedan estar sumergidos todo el tiempo que sea necesario. Sólo voces. No hay contexto ni conocimiento del interlocutor. Una experiencia sensorial.

Iso Phone

No es para cualquiera. Trabaja con cadáveres, hace arte, aunque muchos lo critiquen por ser simplemente un efectista en busca de polémica. Gunther Von Hagens es mucho más que ese simple rótulo de la farándula periodística. Artista y científico alemán, a partir de 1977, desarrolló métodos de plastificación que logran preservar los tejidos de una manera perfecta, hasta da la sensación de que están vivos.

Utiliza el vacío para embeber un polímero reactivo, como la silicona de caucho o poliéster, en el material biológico. La clase de polímero que se aplica determina las propiedades físicas (flexibilidad o rigidez) y ópticas (transparencia u opacidad). El resultado final convierte a los ejemplares en objetos secos, inodoros y durables. Y aún más: retienen forma y relieve original y la identidad celular.

El efecto es impactante. Von Hagens logra escenarios con cuerpos de adultos, niños y también fetos. Así también las protestas y las controversias, siempre desde la ultra derecha católica y las instituciones más conservadoras. Algunos han dicho que es la versión moderna de Frankenstein, otros le relacionan, sin aportar pruebas, con el tráfico ilegal de órganos humanos, y ciertos artículos de prensa citan al premio Nobel alemán Günter Grass, que le compara con el médico nazi Josef Mengele. Todo mentira. Los cuerpos que plastiniza son donados.

Algunas de sus esculturas presentan mujeres en pleno parto, un jinete con su caballo (ambos plastinizados), un skater, un hombre sosteniendo su propia piel, etc. Incluso ha creado un museo de cadáveres. Un artista impresionante. Ver para creer.

Von Hagen – Exposición en Londres

Fue un hombre de pocas palabras, a la primera en discordia corría sangre. No había demasiadas vueltas. Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 de septiembre de 1571 - 18 de julio de 1610) fue famoso por sus ataques de ira. Revolucionó el arte, se lo considera uno de los primeros artistas barrocos y el creador del tenebrismo; es muy probable que su temperamento haya sido el motivo por el cual quedó olvidado más de cuatro siglos (recién en 1950, luego de muestras monumentales en Nueva York, su obra se adjudicó el lugar que merece). No le temía a nada, hasta fue capaz de burlarse de los altos mandos eclesiásticos en épocas de inquisición. El ejemplo exacto fue su interpretación de la Virgen de Loreto. Generalmente, se la representaba suspendida en el aire, flotando sobre una nube. Caravaggio utilizó como modelo a una conocida prostituta, ella aparece cargando a un bebé muy grande y pesado, apoyada contra el marco de la puerta de su casa humilde porque no soporta el peso. A sus pies, dos ancianos pobres que piden limosna. Los insultos de la curia, era de esperar, estallaron a lo largo y ancho de Roma.

Por fuera de lo artístico los problemas eran aún peores. En 1606 cayó preso por asesinar a dos personas a hachazos. Uno de ellos era un sbirri, nombre con el cual se conocía a los policías romanos. Él ya estaba entre ojos de la justicia: sus peleas, violentísimas, eran cotidianas, igual que los robos y las detenciones. Era respetado en todos los aguantaderos y burdeles de la ciudad. La muerte del policía, de apellido Pascualone, fue un ajuste de cuentas. De esa pudo escaparse, pero a la semana mató a un notario, Rannuncio Tomasoni, por una discusión durante una partida de pallacorda, un juego de pelota. Fue sentenciado a muerte y encarcelado en el Tor Di Nona, la cárcel de la Curia de la Cámara Apostólica. Logró fugarse. Tuvo que huir de Roma, su objetivo siempre fue regresar pero jamás fue perdonado.

En 1610 dos desconocidos, probablemente viejos enemigos, lo asesinaron a golpes en Puerto Ercole. Caravaggio intentaba entrar a Roma silenciosamente, una mala decisión. Tres días después, el papa Paulo V, a propósito, dictó el esperado indulto.

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Imágenes de Caravaggio
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El mundo entero hablaba del atentado del 11 de septiembre, los muertos se contaban de a miles, los televisores repetían una y otra vez las imágenes de las Torres Gemelas convirtiéndose en escombros. Esta fue la interpretación de Karlheinz Stockhausen a finales de 2001:

“Lo ocurrido es, por supuesto, deben entender correctamente esto, la más grande obra de arte jamás hecha. El hecho que los espíritus han realizado con un único acto es algo con lo que en música nunca podremos soñar. Esa gente practicó diez años duramente, fanáticamente para un concierto. Y entonces murieron. Y eso es la más grande obra de arte que existe en todo el cosmos”.

La polémica estalló de inmediato, era de imaginar, muchos comenzaron a odiarlo. Y con esa imagen falleció el 5 de diciembre del 2007. Pero Stockhausen fue un genio que influenció con enorme potencia la escena musical del siglo XX.

Puramente experimental, su obra incluso logró modificar el rumbo de The Beatles. Paul Mc Cartney asegura que haber escuchado Gesang der junglinge lo obligó a repensar su trabajo. Los cuatro de Liverpool estudiaron sus composiciones y lo ubicaron en la tapa de Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band a modo de homenaje. El final de A day in life es una muestra exacta de su influencia, Revolution # 9 también.

Stockhausen nació en Alemania, fue el primer músico en emplazar espacialmente fuentes de sonido y mezclar música concreta y electrónica. Frank Zappa, Peter Townshed, Jerry Garcia, Bjork, Miles Davis y Charles Mingus lo señalaron como uno de sus principales referentes.

Su obra es conceptual, cuesta acercarse, sus discos no son amables ni dejan lugar al disfrute inmediato. Utilizaba las matemáticas en su música seriada, tecnología analógica y digital, además de transformadores, generadores, moduladores y magnetófonos. Una de sus últimas grandes creaciones fue el Helikopter-Streichquartett [Cuarteto para cuerdas y helicópteros]. Allí, un cuarteto de cuerdas toca en cuatro helicópteros que vuelan independientemente sobre las cercanías de la sala de conciertos. La música de los intérpretes es mezclada con el sonido de los helicópteros y reproducida mediante altavoces a la audiencia de la sala, junto con videos en vivo de lo que sucede en el aire. Los intérpretes están sincronizados con la ayuda de un metrónomo electrónico. Pasen y vean la obra de un genio desquiciado.

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Helicopter string quartet
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Karlheinz Stockhausen - Helicopter String Quartet

Van Gogh estaba loco y era un alcohólico empedernido. En uno de sus viajes a París tuvo problemas con la administración de un hotel porque su factura estaba excedida 17 francos de lo estipulado. La diferencia estuvo en que, a causa de una enfermedad que lo aquejó más de una semana, pidió que le llevaran vino de mejor calidad. De hecho, en las cartas que le enviaba a su hermano Theo dejó bien en claro que prefería beber a comer. "Si nos sentimos en buen estado de salud, podemos vivir con un mendrugo de pan, a la vez que se trabaja todo el día, y así quedan todavía fuerzas para fumar y echar un trago, cosas necesarias en tales condiciones", escribió.

Su oreja mutilada es tal vez la anécdota más conocida de su tormentosa vida. Aunque pocos conocen su verdadera historia.

Vincent era íntimo amigo de Paul Gauguin, otro artista plástico, también impresionista. Para él pintó la serie completa de sus famosos girasoles. Gaugin era una persona muy soberbia y constantemente estaba regañando a Vincent. Principalmente le decía que no podía pintar al aire libre temáticas que eran de taller. Cansado de ser maltratado, una tarde intentó agredirlo con una navaja de afeitar. Gaugin esquivó el ataque y huyó de la casa. Vincent, arrepentido, se cortó el lóbulo de su oreja derecha con esa misma navaja.

Con la cara ensangrentada, se fue hasta el prostíbulo donde trabajaba su amiga Rachell, y le entregó su lóbulo envuelto en un pañuelo. Le pidió que se lo lleve a Gaugin en señal de disculpas. Cuando ella recibió el lóbulo, Vincent ya se había ido. Fue la policía a buscarlo; lo encontraron tendido en el sillón de su casa medio desmayado. Ya no iba a recuperarse de su esquizofrenia. El tejido fue puesto en un frasco con alcohol por si era necesario como evidencia. Meses después fue desechado.

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Imágenes de Van Gogh
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Tres artistas: Max Dean, Raffaello D´Andrea y Matt Donovan. Ellos son los integrantes del colectivo D´Andrea´s Group, dedicado a experimentar dentro del arte robótico. Comparten la gramática contemporánea de unir ciencia y arte en una instalación, combinar creatividad tecnológica con la búsqueda estética. Y muy bien les sale.

También han desarrollado prototipos de mesas que se mueven solas y robots que juegan al fútbol en un pequeño estadio, entre muchas otras cosas. Ellos lo llaman escultura robótica.

Raffaelo sostiene que su objetivo es, desde un primer momento, comprometerse con los avances científicos y el rigor matemático, entonces colaborar con las innovaciones en otros campos, por ejemplo el arte.

Aquí un ejemplo de una de sus obras: la silla robótica. Se desarma y se arma por sí sola. Trabaja con sensores que identifica los extremos, entonces se vuelven a unir. Ver para creer.

The Robotic Chair – D´Andrea´s Group

Para los que dicen que no hay nada nuevo bajo el sol, mejor que hagan silencio y se sienten a mirar lo que hace Blu, un artista que genera cine animado desde la intervención urbana. El recurso se entiende a simple vista: hace y deshace dibujos en las paredes, mientras los va capturando con una cámara. Luego, edita todos los fragmentos de video para crear la pieza final. Una demencia.

Este video en particular fue realizado en Buenos Aires. Lo increíble es el modo en que aprovecha cada elemento, papeles, pedazos de madera, espacios interiores y exteriores. Todo lo que hace es original y novedoso.

Le llevó semanas enteras realizar este video, cientos de litros de pintura, además de armar y desarmar andamios para llegar a cubrir la superficies más altas. Blu es italiano y no sólo domina el street art, sino que además es un destacado dibujante que recorre el mundo entero interviniendo espacios urbanos y desarrollando muestras.

Muto – Animación realizada por Blu

Una palabra por segundo. La puesta es arriesgada: poner un funcionamiento un robot de búsqueda en Internet encima de las principales páginas periodísticas del mundo y encontrar las palabras que más se repiten. Ese listado va apareciendo, término por término, en formato de lluvia.

Julius Popp escribe con agua.

Popp nació en Nuremberg, en 1973. Su búsqueda es conectar el arte, la ciencia, la crítica de medios y la inteligencia artificial. La obra que presentamos aquí lleva como título Bit.Fall y fue expuesta en el MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York, a principios de 2008.

La catarata está integrada por 128 boquillas, controladas por computadora, que expulsan agua. La idea es representar que la información en la era del Internet es cambiante y tiene un valor efímero. El espectador observa cada palabra por un momento ínfimo, siempre en movimiento y descontextualizada.

Julius Popp – Bit.Fall

Ella es movimiento. Sus esculturas de metal líquido, manejadas por computadora, son el paradigma contemporáneo del arte cinético. Sachiko Kodama nació en Shizuoka, Japón, en 1970. Desde chica se reconoció una fanática de la literatura y de la ciencia. Se graduó en Física, en la facultad de Science at Hokkaido University. En 1993 se matriculó en Arte en la University of Tsukuba; estudió plástica. Después hizo un master y un doctorado en arte y diseño, en la Universidad de Tsukuba. Y por último estudió informática y holografía.

Sus primeros trabajos artísticos estuvieron relacionados con la plástica, la pintura y la escultura. Luego comenzó a aplicar conocimientos científicos en sus creaciones, hasta que descubrió los ferrofluídos: minúsculas partículas ferromagnéticas suspendidas en un fluido emulgente, que comúnmente es una solución orgánica o agua. Estas nanopartículas no muestran ferromagnetismo porque no retienen su magnetización cuando se interrumpe el campo magnético aplicado de manera externa.

Cuando un ferrofluido entra en el eje de acción de un campo magnético comienza a moverse de un modo muy extraño. Lo que hace Kodama es manipular los campos electromagnéticos libremente, entonces consigue controlar las formas que adquiere el líquido. El procedimiento es muy creativo, simple e impactante.

Sachiko Kodama - Morpho Towers

Elefante pixelado es una enciclopedia reducida, un archivo de recomendaciones sobre arte contemporáneo y, al mismo tiempo, una colección de anécdotas biográficas que figuran en la letra chica de los libros de historia.

El material que producimos diariamente mezcla crítica, descripción y curiosidad por las últimas novedades del mundo del arte, pero también se detiene en antiguos sucesos que, silenciosamente, marcaron la obra de los clásicos.

Pasado, presente, futuro. En fin, capricho absoluto.