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arte contemporáneo - biografías inéditas - ensayos


Maurizio Cattelan

Dice que no es un artista conceptual, y que tampoco tiene relación con lo poético. El italiano Maurizio Cattelan (1960) utiliza el arte para ejercer el humor. Punto a favor. Los grandes íconos del poder político son sus víctimas predilectas, aunque también suele disparar al cráneo de la involución social y la hipocresía del mundo contemporáneo. Todo puede ser cualquier cosa, así lo prefiere.

Sus creaciones se valen de la instalación, la escultura (siempre en clave hiperrealista), el video, la fotografía, las acciones y los objetos. Su obra más polémica fue La nona ora (La novena hora, 1999), integrada por una escultura a escala real del papa Juan Pablo II, tumbada sobre una alfombra roja, derribada por un enorme meteorito que ingresó a través de una ventana. Alrededor de la figura del pontífice estaban los fragmentos del vidrio destruido por la enorme roca que había llegado desde el cielo.

Otro episodio que causó revuelo fue la instalación que desarrolló en el MoMA, en 1998: hizo que un mimo se disfrace de Pablo Picasso –camiseta a rayas, sandalias y una máscara de proporciones desmesuradas creada con papel maché- y hable con el público. La intención, evidentemente, fue ubicar al célebre pintor malagueño en el rango de un Mickey Mouse del arte, un producto de consumo masivo funcional a las políticas de los grandes museos.

Para la instalación Hollywood aterrizando en Sicilia (2001), Cattelan ubicó sobre el basurero más grande de la isla italiana una réplica del famoso cartel de Hollywood. Ese mismo año presentó la escultura Him, la figura hiperrealista de Hitler, modelada en cera y con cabello humano, el tamaño del cuerpo es el de un niño de doce años. El dictador parece asustado, está arrodillado como si estuviera en penitencia. El artista clava un alfiler en la conciencia crítica del espectador, la estimula desde la ironía del anti-monumento.

El recurso de la infancia es muy utilizado en la obra de Cattelan. En la instalación Niños Colgados (2004) colgó de un árbol tres esculturas de niños, también modelados en cera. Parecía que habían sido ahorcados. La obra fue muy mal recibida en Milán, de hecho un vecino (Franco Di Benedetto, su nombre consta en las actas de la policía) rompió las figuras con un hacha. Cattelan dijo al enterarse de la reacción: “¿Cómo puede ser la sociedad tan hipócrita que se sorprende por un muñeco colgado cuando nos encontramos a diario imágenes fantasmagóricas de niños que mueren o que son víctimas de guerras o de otras situaciones?”.

La gran virtud de Mauricio Cattelan es apelar a la truculencia sin que nada sea verdaderamente truculento. No necesita de los recursos del shock art, por ejemplo, ni de la repercusión mediática para movilizar al público. Sus excentricidades huyen de lo macabro. La política es “perturbar sin espantar”.

Una de sus última obras de tono crítico es Frank y Jamie (2002), expuesta en la galería Marian Goodman de Nueva York. Cattelan expuso una pareja de policías (siempre en cera), con sus respectivos uniformes, patas para arriba. Una posición a todas luces ridícula para un agente social que debería ocuparse de enderezar los comportamientos incorrectos. También ese año presentó Now, una réplica del cadáver de John F. Kennedy, dentro de un ataúd, vestido impecablemente con un traje oscuro, corbata y los pies desnudos.

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Dinos y Jake Chapman

El blanco es poner en crisis lo que se denomina formalmente una obra de arte. Los hermanos ingleses Dinos y Jake Chapman (1962 y 1966, respectivamente) se caracterizan por la anatomía perversa de sus piezas escultóricas; trabajan desde un falso realismo sobre la morfología de niñas púberes desnudas y toda clase de anomalías genéticas.

Su obra está plagada de elementos humorísticos que ridiculizan el sexo y la muerte. Podría ubicarse dentro del Pop destructivo, fundamentalmente porque quiebra la idea clásica de belleza para abrir paso a lo asqueroso, lo repugnante o lo tradicionalmente prohibido. El Pop destructivo, o shocker pop, es un estilo arriesgado que fácilmente puede perder fuerza artística en el intento vacío de transgredir. No es este el caso. Los hermanos Chapman acompañan la violencia de sus creaciones con un concepto sólido que sacude el plano político, social y religioso. Sus principales enemigos son los gobiernos autoritarios, la discriminación, el fanatismo y toda forma de tortura física.

En la muestra Hell (1998 – 2000) realizaron un montaje en ocho partes integrado por casi 30 mil pequeñas esculturas reunidas en una escena que mostraba los abusos del poder político y el genocidio. Las figuras estaban guardadas en cajas de cristal, dispuestas en forma de svástica nazi. Un incendio destruyó esta obra en 2004. Los hermanos Chapman consideraron necesario crear una segunda versión titulada Fucking Hell (2008). Misma estética, más piezas y más cruda en su representación.

Gran parte de su producción son piezas de gran tamaño, construidas en resina y fibra de vidrio, donde representan esqueletos en estado putrefacción, muñecas y muñecos inflables, hombres y mujeres castrados colgados de árboles, niños con cara de genitales, entre otras imágenes y situaciones controvertidas.

Su producción se enmarca en el Young British Artists promovido por Charles Saatchi, junto a figuras como Damien Hirst o Tracey Emin. En la actualidad, Jake y Dinos viven y trabajan en Londres.

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Dinos y Jake Chapman – Hell

Tchaikovsky: suicidio oculto

Su institutriz, Fanny, una de las personas más influyentes de su vida, lo consideraba un niñito de porcelana. Todo lo afectaba. A los seis años tocaba el piano con tanta concentración y efusividad que por la noche quedaba exhausto e insomne. El pequeño Piotr Ilich Tchaikovsky (1840 – 1893) también se destacaba en sus estudios formales, a los siete dominaba a la perfección el francés y el alemán. Era el orgullo de la familia, pero el entusiasmo no duró mucho tiempo.

A principios de 1877 recibió una carta de Antonia Miliukova, una ex alumna que él no recordaba; declaraba que sus días no podían continuar sin su compañía. Fueron cuatro cartas que nunca encontraron respuesta, Tchaikovsky no tenía intención de enredarse sentimentalmente con nadie. La quinta carta fue definitiva: Antonia amenazaba con suicidarse si continuaba ignorándola. Entonces decidió ir a visitarla.

Se encontró con una mujer agradable, de familia bien considerada. Piotr aceptó casarse con Antonia en julio de ese año, obligado violentamente por el señor Miliukova. En Moscú corría el rumor de que el compositor era homosexual, y don Miliukova no iba a permitir que su hija, ciegamente enamorada, sufra el rechazo de alguien con ese tipo de desviaciones.

La unión física entre ellos nunca se consumó. Antonia, que desde pequeña había mostrado síntomas de serios desequilibrios emocionales, terminó de enloquecer. La pareja duró apenas dos meses, él, agobiado por la situación, empacó sus pertenencias y se marchó a Suiza. Su ex mujer pasó los últimos 15 años de su vida en un psiquiátrico, donde murió en 1917. Tchaikovsky, a pesar de su enorme fama como artista, tanto en Europa como en Estados Unidos, nunca pudo recuperarse del trauma psíquico que le significó el matrimonio.

Su cuerpo fue encontrado sin vida de un día para el otro. La noticia cruzó la extensa Rusia a la velocidad de un pestañeo. En un primer momento se dijo que había caído fulminado por el cólera –muy común en aquellos años, se transmitía a través de la ingesta de agua contaminada-. Sin embargo, investigaciones recientes aseguran que la muerte de Tchaikovsky fue muy distinta.

Al parecer, un aristócrata ruso sorprendió a su sobrino en pleno acto sexual con el compositor. Furioso, le escribió una carta al zar denunciando la situación, pero la carta llegó primero a manos de un legislador que había sido compañero de Tchaikovsky en la Escuela de Jurisprudencia de San Petersburgo. En secreto, este senador organizó una corte para juzgarlo. Acordaron que había una sola opción posible para salvar el honor de ambas familias: el compositor tenía que suicidarse y luego ocultar las causas de su muerte. La imagen de héroe nacional tenía que quedar intacta.

Tchaicovsky bebió arsénico, solo, en su casa de San Petesburgo, el 6 de noviembre de 1893.

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Tchaikovsky - The nutcracker - Berlin Symphony Orchestra
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Tchaikovsky 6. Shymphony (Pathetic) 3er movement

Jan Svankmajer

No existen diferencias entre un objeto inanimado y un ser humano. El trabajo que el director checo Jan Svankmajer (1934) realiza con actores de carne y hueso es el mismo que realiza con sus marioneta o sus criaturas de arcilla. El epicentro de sus películas y cortometrajes es la idea; la forma se resuelve en base a lo que es necesario decir. Prácticamente todas sus realizaciones, desde las primeras en la década del 60, se pueden definir surrealistas. Svankmajer sostiene que es una corriente que excede lo artístico para definir una postura frente al mundo.

Su primera aproximación al arte fue a través del teatro, poco después incursionó en el arte gráfico. Desde ahí saltó directamente al cine de animación, donde desarrolló con maestría la técnica del stop-motion (fotografías cuadro a cuadro). Utilizó muñecos de cerámica, plastilina, actores y actrices reales, materiales orgánicos e inorgánicos, metales, entre otros cientos soportes, para crear un mundo humorístico, políticamente comprometido y ferozmente crítico del paisaje en decadencia que propone la era industrial.

Las historias que construye permiten un amplio recorrido de lecturas, con interlineados que ponen en crisis la idea de lo popular (por ejemplo a través de la satirización del estereotipo de espectador de un partido de fútbol), rechazan de plano todos los gobiernos autoritarios europeos (especialmente los del este) y ubican al hombre como principal responsable de la actual situación social (a través de metáforas sobre la comunicación y la violencia discursiva).

El cortometraje El último truco (1964) fue el puntapié inicial de su carrera, y en los ocho años siguientes produjo más de 14 obras. En 1972 el gobierno le prohibió seguir filmando, sus películas deslizaban conceptos políticos, culturales y sociales que no concordaban con los intereses ideológicos del comunismo pro-soviético. Su regreso definitivo fue en 1981, con La caída de la casa Usher.

Cineastas estrella como Tim Burton, Terry Gilliam y Jean-Pierre Jeunet lo citan como principal influencia. El dibujante Bill Plympton también dialoga constantemente con la obra de Svankmajer, retoma la misma línea de absurdo y rescata la construcción de situaciones complejas en base a dos personajes estáticos.

Los objetos de uso cotidiano ocupan un lugar trascendente. Desde lo formal, explora la identificación psicológica de las personas con las cosas. La construcción del significado. “Para mí, los objetos siempre estuvieron más vivos que las personas, porque perdurarán más y son más expresivos”, dice. En varias oportunidades ha confesado ser un cuidadoso coleccionista de piezas de anticuario y de todo objeto que utiliza para sus producciones.

Jan Svankmajer, desde 1970, es miembro oficial del Grupo Surrealista Checo, el único que todavía existe en la actualidad. Se mantiene en actividad desde los tiempos anteriores a la Segunda Guerra Mundial, incluso cuando los ecos de André Breton y sus colegas parisinos ya ni son tenidos en cuenta. Es notable el giro que le aplicó a la vieja escuela surrealista: se apropia solamente de conceptos estéticos. La temática la definen urgencias del día a día.

Su último largometraje, Sílení (2005), es una mezcla de sátira, misterio, humor y espanto, pero fundamentalmente es una reflexión filosófica sobre la libertad absoluta y el totalitarismo más recalcitrante. Actualmente, con 75 años, continúa en plena producción.

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Cortos - Jan Svankmajer - (1960 - 1970)
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Cortos - Jan Svankmajer - (1980 - 1990)
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Cortos - Jan Svankmajer - (1990 - 2000)
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Reproductor Real Alternative
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Jan Svankmajer – Dimensiones del diálogo (1982)

Loris Cecchini

El italiano Loris Cecchini (1969), a través de sus fotografías y objetos blandos, se convirtió en un especialista en manipular sensaciones. Su obra es un grito de independencia en un mundo condicionado por la estética digital. Todas sus piezas son experimentos que desajustan la percepción del espectador, sin perder un diálogo de ida y vuelta con la condición humana. Todo es normal, pero fuera de lugar.

En 1996 expuso la serie Pause in background, en la que se ubica a sí mismo trepando por los cables de una máquina o adentro de una pileta para lavarse las manos. Al año siguiente, en No casting, introduce figuras reducidas de personas en juegos infantiles y elementos de su propia fabricación.

El cambio profundo llegó en 1998, con Stage Evidence, su primera muestra de esculturas blandas, realizadas en goma de amida cristalizada, de un monótono color blanco sucio, que reproducen objetos y mobiliario doméstico como radiadores, cañerías, sillas, etc. El dato del color no es un detalle, sino parte fundamental del concepto. Casi todas las piezas expuestas tienen el color gris del mobiliario de informática: Cecchini expresa una mezcla de desencanto y desconfianza hacia el instrumental técnico y tecnológico de la sociedad contemporánea. Lo muestra endeble, limitado.

Sus esculturas parecen producidas en serie, sin embargo son únicas y realizadas manualmente. Las escala es idéntica al objeto real, la intervención está en la consistencia y el aspecto del material. Los límites están cuidados con precisión, lo cual dificulta encontrar con seguridad la división entre verdad y mentira; realidad y ficción; objeto y simulacro.

En 2001 fue invitado por Harald Szeeman a participar en la Bienal de Venecia. El artista creó para la ocasión una celda de aislamiento que respira, obra que causó gran impacto escénico por sus connotaciones sociales.

Cecchini se vale de la tecnología para darle vida a sus fotografías y esculturas, aunque él mismo destaca que la etapa más importante de su formación fueron los estudios de pintura clásica que realizó en Siena, en su temprana juventud. En las composiciones siempre subyacen elementos de las escuelas clásicas italianas.

Sus obras son la articulación contemporánea de la herencia minimalista y postpop, donde presenta un lectura posmoderna de los objetos de uso cotidiano. Es así que, desde la fotografía y las instalaciones, continúa las metáforas propuestas en los primeros años del arte conceptual.

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Imágenes de Loris Cecchini
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Loris Cecchini

Christo y Jeanne-Claude

En la búsqueda de una crítica radical al sistema de las artes plásticas, el primer movimiento que aparece es el de los artistas de la tierra o del paisaje, también denominado land art. Está integrado por artistas ambiciosos, muy alejados de las convenciones, que intervienen paisajes –tanto naturales como artificiales- para proyectar obras que reflexionan sobre el espacio y el tiempo, siempre por fuera del circuito cerrado de las galerías y museos.

El búlgaro-norteamericano Christo (1935) es probablemente el máximo exponente de esta escuela. Sus obras, monumentales y tan costosas que despertaron las quejas de agrupaciones ambientalistas, se caracterizan por envolver (embalar, empaquetar) edificios y espacios públicos con inmensas superficies de tela. Sus primeras piezas datan de 1958: cubrió un tarro de pintura vacío con un lienzo, lo ató con soga y lo coloreó con pegamento, arena y pintura de automóvil. El empresario alemán Dieter Rosenkranz fue su primer comprador y quien le presentó al artista francés Yves Klein, quien lo influyó a repensar los conceptos principales del proceso creativo. Comenzaba la década del 60, los límites amenazaban con desaparecer. Ese mismo año conoció a Jeanne-Claude, su esposa y compañera artística.

En 1962, la pareja desarrolló su primer proyecto monumental, Rideau de Fer (Cortina de acero). Sin permiso de las autoridades y como forma de protesta contra el Muro de Berlín, bloquearon con barriles de petróleo empaquetados la Rue Visconti, una calle al borde del Sena. Jeanne-Claude se encargó de persuadir a la policía; logró que la obra permaneciera en pie durante algunas horas.

Para septiembre de 1964 estaban establecidos en Nueva York. Llegaron sin dinero y sin dominio del inglés, aun así consiguieron exponer en la galería Leo Castelli, pero rápidamente se alejaron de ese circuito para afianzarse de lleno en el land-art. Christo tuvo que dedicarse durante algunos meses al retrato para juntar fondos, trabajo que más tarde comparó con la prostitución.

En 1968 fueron invitados a participar en la Documenta 4 de Kassel, Alemania. La pareja intentó construir un tubo empaquetado de 5.600 metros cúbicos y suspenderlo en el aire con grúas para que sea visible a 25 kilómetros de distancia. Después de varios intentos fallidos y de contratar las dos grúas más potentes de Europa lograron su objetivo. La obra estuvo expuesta durante dos meses.

Ese mismo año concretaron su primer embalaje de un edificio público. Con 2430 metros cuadrados de polietileno reforzado, sostenido con 3050 metros de soga de nailon, empaquetaron el Kunsthalle de Berna, Suiza. Y en 1969 realizó uno de sus proyectos cumbres: The Wrapped Coast, en Australia. Consistió en embalar la costa rocosa de Little Bay con una tela blanca que las mareas desplegaban o enrollaban. Fueron necesarios 130 ayudantes que dedicaron 17.000 horas de trabajo, 9.300 metros cuadrados de tela sintética y 56 km de soga.

En 1971 llevaron adelante la intervención Valey Courtain in Colorado: una gran colgadura de nailon de 12.780 metros cuadrados de tela naranja que cortaba en dos el valle. Este proyecto demandó casi medio millón de dólares, 200 toneladas de concreto y la colaboración de 500 ayudantes. El financiamiento fue una complicación, además recibieron fuertes críticas de las principales instituciones ambientalistas internacionales. Finalmente, el 10 de agosto de 1972 lograron sortear todos los obstáculos y colgar la cortina.

En agosto de 1984, la pareja obtuvo el permiso para embalar el Pont Neuf de París, tras nueve años de negociaciones con el alcalde Jacques Chirac. En esta ocasión necesitaron 40 mil metros cuadrados de tela poliamida color arena. La obra fue finalizada el 22 de septiembre de 1985. Durante dos semanas, más de tres millones de personas se acercaron a visitar la obra.

Christo y Jean-Claude continúan produciendo. Actualmente están en vías de concretar el proyecto The mastaba. La idea es construir una mastaba (antigua edificación funeraria egipcia) con 390.500 barriles de petróleo apilados, todos de distintos colores para lograr la estética de un mosaico. El monumento medirá 225 metros de profundidad y 300 metros de ancho. Será más grande que la Gran Pirámide de Giza.

A diferencia de sus proyectos anteriores, la gobernación de los Emiratos Árabes sería la encargada del financiamiento y el mantenimiento.

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Imágenes de Christo y Jean-Claude
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Compilación de trabajos de Christo y Jeanne-Claude

Edgar Degas: ciego, solo y antisemita

Al poco tiempo de cumplir los cincuenta, ya consolidado como un artista famoso en toda Europa, el plástico francés Edgar Degas (1834 - 1917) comenzó a sufrir los primeros síntomas de ceguera. La enfermedad avanzó a tal punto que se vio obligado a abandonar el óleo y experimentar con pastel: el trazo es más definido, además le permitía acercar la cara al lienzo hasta casi tocarlo con la nariz.

Desde lo estilístico, continuó en la línea del impresionismo, siempre influenciado por el renacentista Rafael, pero desarrollaba las formas como un boceto y las presentaba borrosas. En la temática, el cambio fue aún más pronunciado. Plasmó únicamente escenas desde puntos de vista próximos. Siempre en pequeño formato.

Paralelo a los cambios artísticos, también su vida fue transformándose. Degas se fue alienando, sostenía que un pintor no debía tener vida social, entonces se recluyó en su residencia de la rue Victor Massé. No quería ver a nadie, ni siquiera a sus familiares. Y hacia principios del siglo XX, comenzó a defender ideas antisemitas. Los pocos amigos que le quedaban se alejaron para siempre. En 1912, su casa fue demolida; tuvo que mudarse al boulevard de Clichy. Nunca se casó. Pasó los últimos años de su vida totalmente ciego, vagando sin sentido por las calles de París hasta que murió en 1917, absolutamente solo.

Tampoco sus colegas artistas impresionistas lo querían. Van Gogh, por ejemplo, lo detestaba. Una carta escrita por Paul Gauguin, enviada a Émile Bernard en 1888, así lo asegura.

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Imágenes de Edgar Degas
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Edgar Degas