Dalí fue un remplazo. Su hermano Salvador murió un año antes de que él nazca, un ataque de meningitis lo fulminó cuando cumplió siete. De chico, sus padres le repetían cada día el porqué de su nombre y recordaban lo maravilloso que era su hermano. “Pensaba que mi carne y mi alma eran de mi hermano muerto, del Salvador mortal. Ese fue el comienzo de las excentricidades. Dalí tiene que probarle constantemente al mundo que el verdadero es el otro y no el hermano muerto”, solía decir el pintor. Separarse de la sombra del otro Salvador se convirtió en una obsesión que terminó gestando a uno de los más famosos artistas del siglo XX. “El exhibicionismo me hará inmortal, no como el otro Salvador, que muere, se termina”, aseguraba.

Además de ser una verdadera máquina artística, Dalí fue un empresario hostil; él y su esposa, Gala. Era un fanático del dinero, lo cual le trajo serios problemas con sus amigos y familiares directos. Uno de sus lemas era “Paga lo más tarde que puedas, cobra lo antes posible”. Jamás llevaba dinero encima, cuando alguien tenía el atrevimiento de preguntarle porqué contestaba que él era como el Papa, que tampoco lleva dinero. Los comerciantes de Figueres sabían que tenían que acercar las facturas de Dalí al Hotel Duran, el señor Duran se hacía cargo de los caprichos del pintor sin pronunciar queja. Recién al final de la temporada Gala se dignaba a pagar todas las facturas acumuladas; obviamente, exigía descuentos por pago en efectivo.

En cambio, se desvivía por cobrar las obras vendidas: Dalí fue implacable con sus deudores. Aún se conserva una carta dirigida al señor Duran, enviada a través de su abogado, escrita de puño y letra por Dalí. “Reclamo pago inmediato, recibieron mis bocetos, les gusten o no, tienen que pagar”. El célebre creador del movimiento surrealista, André Breton, lo llamaba Ávida Dollars (anagrama creado a partir de su nombre). Más allá del chiste, le sobraban motivos.

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Imágenes de Salvador Dalí
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Dalí & Disney - Destino

A los seis años estuvo a punto de ahogarse en un lago y aunque permaneció pocos segundos bajo el agua, Bill Viola (1951) descubrió que el tiempo no es lo que anuncia el reloj, sino una percepción relativa. Su formación artística comenzó en la Universidad de Siracusa, y en la década de 1970 se unió al staff de otro pionero del videoarte, Nam June Paik. En la actualidad, ambos están considerados padres del género.

Sus obras poseen una marcada carga espiritual e intimista que nace a partir de los viajes que Viola realizó hacia diferentes países y culturas. De esta manera, conoció la literatura oriental, fuente de inspiración para su primera videoproyección desarrollada en base a un poema del escritor persa Mahmud Shabistari: "Si te abres paso al corazón de una gota de agua, mil océanos puros emergerán de ella" (Gulshan-i-raz, siglo XIII). La obra fue titulada He Weeps for You (1976) e incluía la proyección de gotas de agua en un circuito cerrado donde el espectador podía ver su reflejo.

En sus videoinstalaciones utiliza distintas técnicas, como la cámara ultralenta, que incluyen al público en el concepto artístico, para finalice la idea con su propia percepción y participe expresivamente. Viola sostiene que “sólo a cámara lenta podemos comprender conscientemente lo que vemos. Es así como se entrenan los maestros espirituales para ver las cosas en profundidad”.

Su trabajo artístico completo puede dividirse en dos etapas: la primera, la fase experimental, entre las décadas de 1970 y 1980, donde el artista se vio movilizado por el impulso y masificación que alcanzaban las nuevas tecnologías y medios de comunicación. Y la segunda, que incluye un periodo de introspección marcado por la muerte de su madre en 1990 y el regreso hacia los autores clásicos, el arte de la baja edad media y el renacimiento.

De esta segunda etapa se resalta su obra en capítulos o series denominada Las pasiones, donde refleja a través de la pintura religiosa la complejidad de las emociones humanas, e incluye videoproyecciones como La emergencia, inspirada en la obra de Masolino y con una estética visual (en colores y formas simétricas) que sigue la línea de pintores como Giotto o Masaccio.

En 2009 fue galardonado con el Premio Internacional Catalunya por la creación de "una obra artística y técnica, personal y espiritual, mediante el uso del videoarte, del que es pionero", según sostuvo el jurado y porque "supo intuir que el vídeo se acabaría convirtiendo en un objeto, en una obra de arte y ya no sería visto como medio de comunicación".

A lo largo de su carrera ha realizado múltiples trabajos que incluyen desde instalaciones arquitectónicas visuales hasta obras para ser emitidas en televisión aplicando la más alta tecnología. Su arte es exhibido en galerías y museos de todo el mundo. Más allá de las críticas y adoraciones, Viola ha logrado encontrar su forma de expresión y movilizar a un público amplio.

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Bill Viola – Anthem
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Bill Viola – White Space

Ella: víctima y verdugo. El soporte artístico es su propio cuerpo. El arte de la yugoslava Marina Abramovic (1946) desafía los límites de la resistencia física y moral, sus performances reflexionan sobre el comportamiento de la mente y el organismo, tanto en sí misma como en el efecto que producen en sus espectadores.

Su primera acción, Ritmo 10, basada en elementos rituales y la exploración de la gestualidad, data de 1973. Utilizó veinte cuchillos y dos grabadoras de cinta. Arrodillada en el suelo, ejecutó el juego ruso de dar golpes rítmicos de cuchillo entre los dedos abiertos de su mano. Cada vez que se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo. Mientras, la cinta registró cada sonido. Después de cortarse veinte veces, reprodujo la grabación y trató de repetir los mismos movimientos y errores. La intención fue trazar una conexión entre el pasado y el presente, tomando como punto de partida el estado de conciencia del artista.

Un año más tarde, en Ritmo 2, trabajó sobre los fármacos para incorporar en sus performances el estado de inconciencia. En una primera instancia, tomó una pastilla para tratar la catatonia (desconexión del mundo exterior). Su cuerpo reaccionó con espasmos, su mente se conservó lúcida. Diez minutos después, tomó un antidepresivo que la dejó completamente inmóvil. Esta performance fue el puntapié inicial para una serie de experimentos artísticos sobre la relación cuerpo-mente que desarrolló, años después, en el desierto australiano y el Tibet.

La performance que la ubicó en las primeras planas del mundillo contemporáneo fue Ritmo 0, donde tomó un rol pasivo frente a al público, que podía actuar sobre ella sin reparo alguno. Abramovic colocó 72 objetos sobre una mesa, desde hilos hasta pistolas cargadas y látigos. Cada cual podía elegir qué usar y cómo sobre su cuerpo. Fueron más de seis horas, en un principio el intercambio fue liviano, pero a medida que el público fue tomando confianza las acciones se fueron tornando cada vez más violentas, hasta llegar a un extremo peligroso.

En 1976, se mudó a Ámsterdam, donde comenzó a trabajar con Ulay (su nombre verdadero es Uwe Laysiepen). El eje de sus performances fue el ego, la fragilidad de la vida y la identidad artística. En Breathing in/Breathing Out (1977), por ejemplo, unieron sus labios y aspiraron el aire que iban expeliendo hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente a los 17 minutos ambos cayeron al piso inconscientes, porque sus pulmones se habían llenado de dióxido de carbono. La búsqueda fue reflejar cómo una persona puede absorber la vida de otra persona para modificarla y destruirla. En Light/Dark (1977) se abofetearon el uno al otro, cada vez más violentamente, durante 20 minutos.

Una de las más increíbles fue Rest Energy (1980), él sostuvo un arco tirante, cargado con una flecha real, apuntando al corazón de ella. Únicamente la fuerza de sus cuerpos mantenían en pie ese esquema peligrosísimo y sin margen de error. Un set de micrófonos registraron cómo se aceleraba el pulso de ambos. La separación del dúo fue en 1988. Marina y Ullay caminaron la Gran Muralla China desde extremos opuestos hasta encontrarse.

En más de una oportunidad, Abramovic salvó su vida porque intervinieron espectadores. En sus performances ha quedado inconciente, asfixiada entre llamas y con heridas de gravedad. Desde sus primeras obras, intenta crear un arte que perturbe, donde el público no pueda perder atención de lo que esté pasando. Abramovic usa el peligro como forma de concentración, como conciencia de un presente absoluto.

Marina Abramovic & Ulay - Expanding in Space

Inspirado en las luchas sociales, la injusticia, el racismo, el materialismo y la explotación, un joven vagabundo del barrio estadounidense de Brooklyn trasladó sus traumas de la infancia y su rebeldía a los vagones de metros y trenes del barrio neoyorquino, y los convirtió, junto a su amigo Al Díaz, en galerías de comprometidos y poéticos graffitis bajo el acrónimo de SAMO, “Same old shit” (La misma mierda de siempre).

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) no limitó su talento artístico sólo a los tags o grafittis, sino que en 1979, trasladó su arte callejero a la música y fundó el Gray, junto a Michael Holman, Danny Rossen y Vincent Gallo, dónde tocaba el clarinete y el sintetizador y frecuentaba lugares de moda como el pub CBGB y el Mudd club. Así, el grupo junto a otros artistas, generaron su propia subcultura: el hip hop.

Sin embargo, su curiosidad artística y su creatividad no pudo mantenerse recluida en una sólo “rama” del arte contemporáneo y en 1980, aún siendo un vagabundo, instaló su propio atelier y se dedicó a pintar sobre lienzos y objetos que fueran aptos para expresar su crítica a la religión, la política y la filosofía de la sociedad norteamericana. De esta manera llegó a utilizar diversas técnicas sobre papel, heladeras, libros, madera y otras superficies.

Influenciado por la herencia caribeña de un padre haitiano y una madre con descendencia puertorriqueña sumado a la fascinación que sentía por el expresionismo abstracto, Basquiat logró encontrar un estilo único mezclando su propia simbología con elementos de la cultura afro-americana.

Su primera exposición artística fuera de calle fue ese mismo año en una muestra colectiva denominada Times Square Show, realizada en el Bronx donde Basquiat presentó un mural que reunía algunos de los graffitis del SAMO, a quien había matado (Samo is Dead) en una pintada años atrás.

Ese era el comienzo de una corta pero explosiva carrera artística apadrinada por Andy Warhol y acompañada por drogas, fiestas, publicidad y el codeo con estrellas de la farándula y la música como Madonna.

Jean-Michel Basquiat expuso su arte agresiva, callejera, colorida y única en Nueva York, Italia, Los Ángeles, Zurich y Rótterdam, a los 23 años ya era reconocido casi mundialmente. Sin embargo, el estilo de vida veloz y caótica como su pintura lo llevó a terminar su arte que intercambiaba por droga, y su vida, a los 27 años, luego de ser internado por sobredosis.

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Imágenes de Basquiat
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Jean-Michel Basquiat - pics

El cine y las instalaciones audiovisuales son el soporte medular para el arte de Douglas Gordon (1966), uno de los principales exponentes del videoarte de las últimas dos décadas. Antes de cumplir los 30 años se convirtió en un artista reconocido mundialmente por sus intervenciones en piezas cinematográficas clásicas y sus propias producciones, que se caracterizan por manipular la percepción visual.

La obra 24 horas de Psicosis (1993) es clave para introducirse en su universo conceptual. Gordon ubica una pantalla de cine, diagonalmente, en medio de una sala casi oscura. Allí proyecta el clásico film de Alfred Hitchcock, sin sonido y ralentizado a tal punto que la proyección completa dura 24 horas. Se ve cuadro por cuadro y más, la película se convierte en una secuencia, llevada a tal límite, que produce sensaciones corporales. Los espectadores contemplan de pie y pueden moverse alrededor de las imágenes.

En A través de un espejo (1999), el artista trabaja sobre dos pantallas enfrentadas. Emite reiterativamente un fragmento de poco más de un minuto de la película Taxi driver, de Martin Scorsese; la escena más famosa: el protagonista pregunta ¿Me hablas a mí? y luego comienza el tiroteo. El espectador no interactúa, la obra genera la sensación de estar encerrado en medio de las balas.

Su trabajo podría ubicarse dentro de la categoría Cine de exposición, un medio que creó una nueva relación con el espectador. La obra de Gordon, puntualmente, dio origen al término Screen art que se aplica tanto a los creadores que utilizan imágenes en movimiento como a quienes proyectan su material en museos y galerías artísticas en lugar de utilizar salas convencionales de cine.

Para la instalación De dios a nada (1996), Gordon utiliza tres bombitas de luz, a la altura equivalente de la cabeza, el corazón y los genitales del ser humano, colgadas en el centro de la sala. Son la única iluminación. En las paredes escribe una sucesión de textos que enumeran miedos, comienzan con el miedo a Dios y terminan con el miedo a nada, en el ínterin hay miedos de todo tipo, por ejemplo a despertarse o a reír. El espacio se convierte en un reducto tenue, donde los espectadores comparten, descartan, inventan y reflexionan sobre el lugar que ocupan los miedos en la conformación de la sociedad moderna.

Su creación Play dead, real time (2003) está construida alrededor de un elefante. La obra hace referencia a un hecho real, el del elefante Topsy que había matado a tres personas. En castigo, fue electrocutado en Coney Island. El procedimiento fue filmado por la Edision Manufacturing Company y el resultado fue una película macabra de un minuto de duración que mostraba el pesado elefante cayendo al suelo. Fue un espectáculo itinerante durante años.

A modo de contestación, Gordon filmó un elefante adentro de una galería de Nueva York; siguió de cerca todos sus movimientos y le dedicó primerísimos primeros planos a su ojo. La proyección muestra las dos imágenes en paralelo. La idea es actualizar metafóricamente la historia a Topsy y generar la incógnita sobre la percepción hipotética del elefante y su propia muerte.

En B-Movie presenta una mosca, acostada boca arriba; fue encerrada, filmada y reproducida en un pequeñísimo televisor ubicado en un rincón de la pared. Una obra de dimensiones ínfimas y de gran impacto estético.

Casi todas sus videocreaciones se estructuran en base a la estrategia de apropiación. Douglas Gordon toma elementos cinematográficos familiares para movilizar al espectador a reflexionar sobre aquello que no puede verse.

Hand and foot – Douglas Gordon

Dicen que los mares tranquilos nunca han forjado buenos marineros. Algo parecido puede aplicarse al arte, la vida holgada y la tranquilidad no suelen ser buenas consejeras; por el contrario, los sobresaltos emocionales y económicos casi siempre son el primer motor de una vida creativamente plena. Claude Monet, una de las superestrellas del impresionismo, es un caso puntual. Vivió hasta los 55 años en la extrema miseria, sufrió hambre y frío al punto que intentó suicidarse (falló por poco) cuando ya no podía hacerse cargo de sus hijos. Aun así siempre se guió por su sensibilidad, dispuesto a todo por seguir pintando. Su producción supera las 3500 obras.

Cuentan sus biógrafos que uno de sus grandes amores era la naturaleza. Su ojo estaba tan entrenado para leer la luz de los paisajes que pintaba con seis lienzos al mismo tiempo, trabajaba la misma imagen pero los iba alternando para captar los distintos tonos que sucedían a lo largo del día.

Era pobre, pero el dinero no le quitaba el sueño. El único capital eran sus pinturas y aunque pasaba días sin siquiera un mendrugo de pan, siempre estaba dispuesto a invertir su genio en causas nobles. Como sucedió en otoño de 1891, cuando el municipio de Giverny decidió vender unos álamos que se alzaban en un predio estatal. Monet, que en ese momento estaba trabajando sobre aquellos árboles, pidió al alcalde que no se tale hasta que termine la serie que había comenzado. Nada. Entonces se reunió con el comprador y arregló pagarle con obra las pérdidas por cada día de retraso. Al terminar, Monet apenas pudo quedarse con un cuadro, pero ni se preocupó. El maderero, queda claro, hizo un negocio descomunal.

Actualmente, la serie de álamos pertenece a una colección particular y se encuentra en Estados Unidos. Está valuada en casi 10 millones de euros.

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Imágenes de Claude Monet
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Cuando todavía no había cumplido 10 años, Víctor Grippo (1936-2002) recibió de un herrero italiano los primeros consejos para trabajar piezas escultóricas. Fue el inicio de la aventura. Su formación artística y científica, que cultivó a lo largo de toda su vida, le brindó las herramientas necesarias para proponer un quiebre en el arte conceptual durante la década de 1970.

Inició sus estudios formales en Junín, ciudad que lo vio nacer. Dibujo, pintura y escultura. Pero lentamente se fue alejando de lo puramente estético para explorar el mundo de las ideas. La escultura y la instalación se convirtieron en sus bases de operaciones. Sus elementos simbólicos siempre giraron alrededor de universos sencillos: alimentos simples (fundamentalmente la papa), oficios, mesas, rosas, hornillos y distintos tipos de energías. Abundan los desequilibrios y las transformaciones; también las frases, propias y ajenas.

Hay dos ejes medulares en su obra, la alquimia, donde reflexiona sobre la vida social, el trabajo y el arte, y su compromiso político, teñido de un espíritu anárquico, deslindaba toda la responsabilidad en la capacidad de acción del ser humano. Rescató del pasado la utilización artística de elementos orgánicos y los ubicó –transformación mediante- como crítica de la sociedad contemporánea y propuesta de modelo social. Su línea temática es antropológica, pero rara vez utilizó la morfología humana.

En 1971, presentó Analogía I (actualmente en el MNBA), en la Exposición Internacional de Arte de Sistemas. La obra consiste en una estructura geométrica de madera, regular y blanca con cuarenta celdas. Cada una contiene una papa ligada por electrodos y zinc, conectadas entre sí, en serie y en paralelo, a un voltímetro. Grippo intenta aludir a la energía y a la conexión con los pueblos que trabajan la tierra. Es un elemento para unir reflexiones sobre la conquista de América, la alimentación, la ética, la libertad y la energía espiritual.

Analogía IV es una obra clave. Está compuesta por una mesa cubierta por un mantel, mitad tela de algodón blanca y mitad terciopelo negro. Sobre la parcela blanca, hay tres papas reales sobre un plato de loza, acompañado por cubiertos de metal. Sobre el terciopelo aparecen los mismos elementos, pero de acrílico macizo transparente. De un lado lo “rico”, lo tecnológico, lo incomestible. Del otro lo auténtico extraído de la tierra, el alimento, lo “pobre”.

Uno de sus trabajos paradigmáticos fue Tabla (1978). Una mesa de madera, gastada y manchada, donde Grippo escribió poéticamente los usos que puede tener. Dice el texto:

“Sobre esta mesa, hermana de infinitas otras construidas por el hombre, lugar de unión, de reflexión, de trabajo, se partió el pan cuando lo hubo; los niños hicieron sus deberes, se lloró, se leyeron libros, se compartieron alegrías.

Fue mesa de sastre, de planchadora, de carpintero… Aquí se rompieron y arreglaron relojes. Se derramó agua, y también vino. No faltaron manchas de tinta que se limpiaron prolijamente para poder amasar la harina.

Esta mesa fue tal vez testigo de algunos dibujos, de algunos poemas, de algún intento metafísico que acompañó a la realidad. Esta tabla, igual que otras, y la transubstanciación de...”

Otro trabajo significativo fue Vida, muerte, resurrección (1980). Son cinco cuerpos geométricos regulares, presentados dentro de una vitrina, con apariencia museológica. Una de las series contiene adentro porotos negros –poroto, voz quechua-, que con el transcurrir de los días, durante la muestra, se hinchan, germinan y deforman las caras planas hasta que se hacen visibles. Una forma de mostrar el triunfo de las fuerzas naturales desordenadas sobre la cultura racionalista.

Víctor Grippo falleció el 24 de junio de 2002. Su nombre ya había dado la vuelta al mundo. Poco antes de su fallecimiento, en Birmingham (Reino Unido), en una de las pocas retrospectivas que le dedicaron en vida, el gobierno calificó su obra de basura y sugirieron enviar las patatas a una organización de caridad. El tiempo lo ubicó en su verdadero lugar, hoy es reconocido como uno de los pilares del arte conceptual contemporáneo.

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Imágenes de Víctor Grippo
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Es capaz de crear una historia con una línea o fabricar una situación compleja en tres segundos. También puede dibujar 30 mil cuadros para un largometraje que avanza al ritmo de una ametralladora. Su creatividad no tiene límites. Con las ideas que Bill Plympton (1946) dispara en cinco minutos de animación, otros dibujantes han construido trayectorias completas.

Sus trabajos atraviesan temáticas delicadas, sexo-locura-violencia, desde una lectura tan inteligente y delirante que excede toda convención: exprime al límite las herramientas que el dibujo ofrece para concebir ficción. Ni siquiera hay elementos que sobran, todo está ubicado específicamente para hacer reír con elegancia. Utiliza las sombras, los huecos del dibujo. Descansa la mirada en lo invisible, encuentra humor en el entrelineado de lo cotidiano.

Desde joven comenzó a desarrollar su talento. Era un fan del cine y dedicaba horas al dibujo. El clima lluvioso de Portland (EEUU), su ciudad natal, lo ayudó a concentrarse casi con exclusividad en esas dos actividades. A los 14 años consiguió acercar un book a los estudios Disney, pero lo rechazaron por su corta edad. En 1985 tuvo su primera oportunidad de animar un videoclip, fue con The Android Sisters, la canción Boomtown, con letra del histórico Jules Feiffer. Después llegó su primer intento en solitario con Drawing Lesson # 2, y al poco tiempo su primer gran éxito: Your Face, un corto magistral donde un personaje canta una canción sobre su cara mientras sufre alocadas mutaciones.

Desde ese momento, su carrera fue un acenso constante. Hoy es uno de los animadores más cotizados del mundo. Acepta propuestas muy puntuales y viaja por los cinco continentes –lo invitan de todos los festivales y ciclos de cine habidos y por haber- con sus propias películas en una caja. Él mismo se encarga de distribuir su merchandising.

Su obra se divide en cortos y largometrajes (la mayoría animados), publicidades y videoclips, en total son más de 30 obras. Todo lo hace a mano. Él mismo dice que su estilo es “crudo”, trazos duros en un constante y deliberado temblor trabajado con la precisión de un ajedrecista. El procedimiento de producción es el más económico: Plympton dibuja y después chequea las pruebas de animación; si están en orden se fotocopian y los ayudantes las colorean con acuarela. Después se cortan y él mismo, con lápices de colores, repasa los ojos, la boca, las mejillas y el temblor.

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Bill Plympton – Cortos seleccionados
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Push comes to shove

Dos artistas, en el temprano y agitado siglo XXI, se preguntaron si una máquina puede ser creativa. Creatividad. Crear. Una máquina. Poleas, copas, bolitas, madera, varas, metal, sincronicidad. Dijimos siglo XXI: el mundo informático no podía quedar afuera.

La respuesta de Jeff Lieberman y Dan Paluska fue la Absolut Machine. Ellos dos, junto con un grupo de ingenieros, le dieron vida a esta obra de arte contemporánea que reúne, interactivamente, un concepto novedoso, buen gusto y una nueva metodología de crear música. Además (¡atención!) estéticamente es bellísima.

La Absolut Machine es un instrumento musical gigantesco, parecido a un xilófono; se enciende mediante órdenes sencillas que, en ocho segundos, los espectadores accionan a través de Internet. El espectador/usuario ingresa a http://absolutmachines.com/ (momentáneamente no está funcionando), sigue las instrucciones y utiliza el teclado de la computadora como si fueran teclas de un piano. Esas notas viajan digitalmente hasta Nueva York y sirven como base de una melodía. A los pocos segundos, puede ver en vivo como la Absolut Machine interpreta esas notas dentro de un complejo mecanismo y crea una canción completa de dos minutos y medio.

Mientras la canción se está ejecutando, una serie de cámaras graba lo que sucede y al finalizar envía el video a su casilla de correo electrónico para que lo guarde como recuerdo. La Absolut Machine nació con fines publicitarios, es cierto, pero como obra de arte, conceptualmente, está un paso más allá de sus fines comerciales.

El proyecto, dicen los artistas, es una exploración de las posibilidades creativas en el plano artificial y convencional. Es una forma de palpar cómo una máquina, con toda su ingeniería matemática, puede también convertirse en una criatura verdaderamente creativa.

Absolut Machine – En vivo

Los últimos treinta años del célebre pintor Francisco de Goya (1746 – 1828) fueron agitados, para él y todo su entorno. Tuvo que convivir con una sordera casi absoluta que le disparaba el humor hacia el último rincón del infierno. Estas complicaciones proyectaron cambios notables en su obra, Goya ingresó en una época creativa plena, políticamente comprometida y estéticamente novedosa. Revolucionó la técnica de luces y sombras e incursionó en temáticas marginales: reclusos de manicomios, canibalismo, asesinatos, etc. Se puede decir que dio el primer paso hacia las vanguardias del siglo XX.

Goya falleció en Burdeos, el 15 de abril de 1828, a los 82 años. Su nieto Mariano y Francisco Javier, su único hijo -tuvo otros cinco pero todos murieron, dato curioso, a los pocos días de ser bautizados-, le hacían compañía. El cuerpo fue enterrado en esa ciudad de acuerdo con las creencias religiosas de la familia. Debajo de una lápida, descansaron sus restos por 90 años.

En 1919, el gobierno español decidió repatriar el cuerpo de Goya para ser inhumado bajo los frescos de la ermita de San Antonio de La Florida, en Madrid. Tamaña sorpresa se llevaron cuando, al desenterrarlo, advirtieron que faltaba el cráneo. La primera hipótesis llevó a las autoridades a pensar en un robo. Al poco tiempo se supo que el mismo Goya donó su cráneo, obviamente en vida y en un pacto secreto, a un frenólogo francés para que lo estudie.

La frenología, vale la aclaración, es una teoría obsoleta que afirmaba que es posible determinar el carácter y los rasgos de la personalidad (por ejemplo tendencias criminales) basándose en la forma de la cabeza. Actualmente, está consideraba una pseudociencia, pero en aquel momento era un tema serio. Al menos así lo creía el genio español.

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Imágenes de Goya
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Nadie conoce su verdadero nombre, se sospecha que es un tal Robin Gunningham, pero es imposible confirmarlo. Banksy, el artista callejero más famosos del mundo, es un personaje misterioso. No se deja ver la cara, no le interesa el reconocimiento, sólo se preocupa por intervenir calles y museos con sus obras antibélicas-anticapitalistas, cargadas de ironía y una creatividad admirable.

En sus intervenciones reúne elementos del pop y las técnicas clásicas de la gramática street art: graffiti y stencil. También deforma anuncios publicitarios para invertirles el sentido. Sus obras comenzaron a ganar fama en Londres a mediados de los 90 y luego se expandieron por el mundo.

Las paredes que interviene ahora valen miles de libras. De hecho, se convirtió en un artista tan bien valuado que distintos colectivos lo señalan como un traidor que, a pesar de enarbolar un mensaje antisistema, se vendió al mercado.

Lo más interesante de su trabajo son las intervenciones clandestinas que realizó en distintos museos de Europa y Nueva York. Disfrazado y en silencio ha colgado cuadros suyos junto a los de los grandes maestros. Las imágenes son impresionantes: retratos al óleo de corte clásico, con terminaciones en esmalte sintético. La temática es ironía pura, como próceres con una torta estampada en la cara o paisajes impresionistas donde sobrevuelan helicópteros o avanzan tanques de guerra.

Ha dejado obras en la Galería Tate Modern de Londres, el MOMA, el Museo de Brooklyn, el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York y el Museo Británico de Londres. En este último caso (mayo de 2005), colgó una pintura rupestre de aspecto primitivo que mostraba una figura humana entre animales salvajes empujando un carro de supermercado. Ese mismo año, viajó a Israel para realizar pintadas en el Muro de Cisjordania, puntualmente en Belén, Ramala y Abu Dis, donde combinó varias técnicas.

Banksy partió al medio la historia del arte callejero, siempre desde el anonimato. Nadie, en más de 10 años de trabajo, logró conocer su verdadera identidad.

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Imágenes de Banksy
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Banksy – Intervención en Palestina

La vida de Yoko Ono no es sólo su matrimonio con John Lennon. Sus obras conceptuales, previas a convertirse en la esposa del músico de rock más influyente del siglo XX, hicieron aportes sustanciales en la escena de los 60 y 70, aunque la mayoría quedó eclipsada por los dimes y diretes que envuelven al mundo beatle.

Fue su padre, un pianista frustrado, quien la influenció a dar sus primeros pasos en la formación artística. A los seis años se inició en música, y a los veinte se mudó a Nueva York donde compró un loft, famoso porque era un punto de encuentro para desarrollar perfomances, pequeños recitales y lectura de textos poéticos. En esa misma ciudad colaboró en la fundación del movimiento Fluxus, junto a otras grandes figuras como George Maciunas y Wolf Vostell.

Entonces el arte. Yoko llegó al punto de componer canciones que sólo existían en su mente. Organizaba conciertos donde el público tenía que imaginar por sí mismo la música que oía. Ella sólo daba las instrucciones. Algunos ejemplos:

Obra para voz de soprano (Otoño, 1961)
Grite: 1- contra el viento 2- contra la pared 3- contra el cielo

Obra terrestre (Primavera, 1963)
Escuche el sonido de la tierra girando.

Obra para cinta magnetofónica (Otoño, 1963)
Obra movediza. Grabe en una cinta el sonido de las estrellas moviéndose. No escuche la cinta. Córtela en pedazos y déselos a la gente en la calle. O véndala por un precio moderado.

Obra de colección (Otoño, 1963)
Recoja en su mente los sonidos que ha oído durante la semana. Una tarde repítalos en su mente en órdenes distintos.

Obra ambulante (Primavera, 1964)
Pasee sobre las pisadas de la persona que tenga adelante.
1- en el suelo 2- en el barro 3- en la nieve 4- en el hielo
5- en el agua. Trate de no emitir sonidos.

Tres obras adicionales con la nieve (Primavera, 1964)
Para solista o varios intérpretes.
1- Envíe los sonidos de la nieve a una persona que le guste a usted 2- Pasee en la nieve sin dejar huellas de los pies
3- Encuentre en la nieve una mano.

Una de sus más famosas performances fue Cut piece, realizada en 1964 en el Carnegie Hall. Ella se sentó vestida sobre el escenario y el público subía a cortarle la ropa con tijeras.

También es interesante su serie Pinturas con instructivo, de 1961, que consistía en simples directivas escritas a máquina que ella repartía a quienes se le acercaban. La imagen que el público imaginaba era la obra. Un ejemplo: “Mira al sol hasta que se vuelva cuadrado”

Su obra fílmica ironiza sobre el exceso de los movimientos de vanguardia. En Nº4 Bottoms, de 1966, filmó las nalgas de sus amigos. En 1970 realizó Fly, un corto de 25 minutos dedicado íntegramente al vuelo de una mosca alrededor de un cuerpo desnudo.

El eje temático de sus creaciones es la libertad y la paz, abordado desde la valoración de las pequeñas (grandes) cosas cotidianas. Su principal característica, tanto en su obra de los 60 y 70 como en la actual, es la búsqueda de generar impacto emotivo-sensorial con la mínima cantidad de elementos. Reubicar y adaptar. El público resignifica.

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Unfinished Music (Disco doble)
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Yoko Ono - Cut Piece 1965
Música: Yoko Ono, Darkness

Para hablar de Keith Jarret (1945) y de su importancia en el universo del jazz hace falta una biblioteca completa. Desde sus primeros conciertos a los ocho años hasta sus aventuras actuales, con el trío integrado por Gary Peacock y Jack DeJohnette, ha experimentado con decenas de estilos, ritmos e instrumentos; incluso, a fines de los 80, se enfrentó cara a cara con los compositores clásicos más complejos. Ofreció junto a Chick Corea una interpretación de Mozart a dos pianos que quedó registrada como uno de los grandes momentos de la música contemporánea. Compartió escenario con Miles Davis, Herbie Hancock y Charlie Haden entre muchos otros maestros. Su carrera es tan amplia que por momentos parece inabarcable.

Probablemente, el capítulo más destacado de su trayectoria lo escribió el 24 de enero de 1975, en Köln, Alemania. Después de dos días sin dormir y cientos de kilómetros en gira llegó al Cologne Opera House para ofrecer un concierto donde iba a improvisar el repertorio completo.

Cansado y de mal humor, Jarret se sentó a un costado del escenario a la espera de su piano para comenzar la prueba de sonido. El piano nunca llegó. El equipo a cargo de la organización le acercó otro totalmente distinto, con un sonido más metálico y menos resonancia. Entonces comenzaron las discusiones. Que sí, que no, palabras van, palabras vienen. Era ese piano o nada.

Se acercaba la hora del concierto. Jarret, resignado, pidió que le lleven su set de micrófonos, levantó la tapa del piano y comenzó a instalarlos en el intento de mejorar el sonido. Hizo lo que pudo. El resultado lo dejó un poco más tranquilo, pero ni cerca de lo que él tenía en mente.

Lo que sucedió después no tiene explicación. El público, su equipo de trabajo, los sonidistas, absolutamente todos en aquella sala se quedaron mudos. Apenas les quedó fuerza para aplaudir ante semejante maravilla. Keith Jarret ofreció esa noche un concierto fuera de lo común, tal vez el mejor de la historia del jazz.

The Köln Concert es una obra absoluta.
Arte puro.

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Keith Jarret - The Köln Concert
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Desde finales de la década del 60, el brasileño Cildo de Meireles (1948) se caracteriza por construir un mensaje social transformando objetos cotidianos en arte. En aquel entonces comenzó a trabajar con el dinero como soporte. Su obra Árbol de dinero consiste en un fajo de cien billetes de un cruzeiro (antigua moneda brasileña) sujeto con una banda elástica. Debajo, a modo de epígrafe, un cartel que apunta: “Título: 100 billetes de un cruzeiro. Precio: 2000 cruzeiros”.

Además de transformar, Meireles reubica elementos para construir contradicciones. Y, casi por consecuencia directa, hace pie en la ironía.

Esta primera etapa llevó como título Inserciones en circuitos ideológicos. Otra de sus experiencias consistió en imprimir sus propios billetes en papel moneda. Algunos con el valor de 0 (cero) cruzeiros y otros de 0 (cero) dólares. También cambió las imágenes, ubicó el retrato de un indígena y el dibujo del Tío Sam respectivamente. Otra intervención fue utilizar billetes de curso legal para su Proyecto cédula, donde selló una gran cantidad de cruzeiros con la inscripción Quem matou Herzog?, frase alusiva a la muerte de violenta del periodista Wladimir Herzog, causa que figuraba oficialmente como suicidio.

A los pocos meses, desarrolló su obra cumbre: Proyecto Coca-Cola. Serigrafió en las clásicas botellas de vidrio la frase Yanquees go home y las ubicó nuevamente en circulación para que el mensaje deambule entre los clientes. Fue su trabajo más poderoso, considerado entre lo más destacado del arte conceptual latinoamericano.

Otro blanco de sus críticas fueron las dictaduras militares, sus obras Tiradentes: totem monumento ao preso político e Introdução a uma nova crítica –una colección de sillas forradas con puntas de clavos- dejan entrever sus cuestionamientos políticos más feroces.

Más tarde trabajó sobre interiores, por ejemplo en sus instalaciones Desviación al rojo, donde interviene todo un ambiente y sus artefactos con el color rojo, y A través, donde llena un espacio de vidrios rotos y alambres de púa. Los espectadores pueden caminar libremente dentro de la obra.

Toda su producción es una forma de cuestionar, desde la transgresión en el circuito convencional del arte, el poder económico, la manipulación de la opinión pública, el mundo globalizado y el uso capitalista de los espacios cotidianos de la sociedad moderna. Lo particular es que actualiza movimientos como el ready-made de Marcel Duchamp. Él también toma objetos, pero los interviene y los devuelve a su uso. En esa reubicación desarrolla el concepto.

Galería Cildo Meireles – Obra actual

Aseguraba que todo ser humano es un artista. No le interesaba hacer arte para la eternidad, confiaba en ofrecer impulsos para la reflexión. En 1965 pasó 24 horas enroscado adentro de una caja de naranjas. Y a los pocos meses, durante una muestra en la Galería Schmela de Dusseldorf se dedicó a explicarle las obras expuestas a una liebre muerta, con una lámina de oro pegada en su cabeza. Así es que el mundo comenzó a hablar del alemán Jospeh Beuys (1921-1986), un polémico artista conceptual que reunió en sus producciones prácticas religiosas, rituales, curativas, sociales, científicas y políticas.

A los 21 años dio sus primeros pasos con performances teatrales y happenings que él mismo protagonizaba. Y para finales de 1963 se unió al colectivo neodadá Fluxus, allí realizó su famosa Sinfonía siberiana, 1º movimiento, donde expuso por primera vez en público la liebre muerta. La obra estaba compuesta por un piano, unas vasijas de arcilla, algunas ramas, una pizarra, la liebre y una pieza de Eric Satie. Mientras sonaba la melodía, Beuys ató un alambre desde el piano hasta la libre y le extrajo el corazón cuidadosamente. “Pretendo expresar una relación de contenido con la nacimiento y la muerte, con la transformación en materia. Eso no tiene nada que ver con escandalizar a un burgués”, dijo en aquella oportunidad.

El pico de fama llegó en 1974 con su obra Coyote, I like America and America likes me. Durante cuatro días y cuatro noches se encerró con un coyote en una galería de arte de Nueva York. Desde un análisis conceptual, los aullidos del animal representaban para Beuys la violenta colisión de culturas, el punto neurálgico psicológico del sistema de las energías americanas y el trauma del conflicto americano con el indio. En esta obra estaba muy presente la influencia chamánica. Mediante el coyote-guía buscaba simbólicamente una salida para el hombre, lo animal provee el poder de llegar hasta su fondo de angustia y opresión.

En total, realizó aproximadamente 40 obras, muchas de clara inclinación terapéutica, aunque también con fines moralizadores dedicados a una sociedad espiritualmente enferma. La muerte y la enfermedad ocuparon siempre un lugar esencial. Las gasas manchadas con sangre, las jeringas, las prótesis, las marcas de cruces, el negro, los grises, lo animales muertos y los colores coagulados destacaban su relación traumática con el mundo.

Su última gran creación fue 7000 robles, pensada exclusivamente para la Documenta VII de Kassel, de 1982. La propuesta era plantar entre una y otra Documenta (1982-1987) todos los árboles. Beuys falleció en 1986 de un paro cardíaco, su hijo Wenzel completó la obra.

Desde sus inicios, Beuys se preocupó por subrayar la desmaterialización del arte, para que se convierta en un medio hacia la realidad y el pensamiento. Esa era su “noción ampliada del arte”. La auténtica obra de arte residía en transformar la conciencia del espectador.

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Jospeh Beuys – Video obra gráfica
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Joseph Beuys – I like America and America likes me

La piel dejó de ser la barrera inalterable que contiene y define el cuerpo en el espacio. Está en continua transmutación. Por eso es urgente hacerse cargo de las consecuencias de este proceso, apuntar hacia los implantes digitales y la ingeniería genética, que son los principales protagonistas de las modificaciones más profundas en el arte, la vida social, médica, política y económica del siglo XXI. El concepto pertenece a Eduardo Kac (1962), padre del arte transgénico y figura que sacudió a fines de los 90’ la escena del arte contemporáneo con su obra Alba, una coneja alterada genéticamente que emite un fulgor verde fosforescente.

Sus proyectos no pretenden ser útiles, sino intervenciones simbólicas. Kac sostiene que si los avances de la genética modifican nuestra sociedad, la única manera de reflexionar sobre estos cambios a través del arte es utilizando las mismas herramientas y técnicas que los científicos.

Cuando Alba apareció en escena, se desencadenaron discusiones feroces. Misión cumplida: la obra no consistía únicamente en crear un ser transgénico sino en convivir con él y provocar un debate alrededor de su existencia. Kac nunca pudo convivir con su mascota, los responsables del Instituto de Investigación Agronómica de Francia, donde la coneja fue creada, nunca le entregaron el animal al artista. Aún así, la discusión ya estaba instalada.

Kac expuso a modo de defensa que hay un error grueso en determinados organismos que son considerados naturales y que en realidad son creación del hombre. Por ejemplo, el perro doméstico, el hombre lo ha moldeado durante más de cincuenta mil años hasta convertirlo en lo que es hoy. Es decir, en cierto sentido, se trata de un organismo artificial.

Este artista brasileño también desarrolló otros proyectos: Genesis, un modelo de bacteria que creó en su propia computadora que fue enviado por correo electrónico a un laboratorio donde fue sintetizado y devuelto en forma física, y Octavo Día, una ecología transgénica formada por ratones, plantas y peces, todos modificados con el gen de la medusa y al igual que Alba producen un brillo verde.

Lo novedoso en este último proyecto es la participación de un Biobot que se mueve en el espacio de acuerdo con la actividad de estos organismos, y se maneja desde una página web. Ni las amebas ni el hombre tienen un control total sobre el dispositivo, con lo que el robot se convierte en un lugar de interacción entre organismos y participantes. Además, el biobot a través de una cámara ofrece una perspectiva en primera persona del ecosistema transgénico. Todos los animales fueron creados por un equipo de 18 científicos de la universidad de Arizona.
Lo han acusado de crear seres imposibles y fue fuertemente criticado por instituciones ecologistas conservadoras y católicas. Desde el concepto, Eduardo Kac es uno de los artistas más controvertidos de los últimos años. Sus reflexiones iluminaron agujeros conflictivos para el pensamiento científico, artístico y filosófico.

Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) fue el primer músico independiente de la historia. Recibía una pensión de 4 mil florines anuales de la aristocracia, pero no tenía obligaciones artísticas. Bach, Haydn y Mozart, por ejemplo, también recibían dinero de sus mecenas pero tenían que componer a pedido y con fecha de entrega, eran empleados y sus sueldos eran parte del presupuesto del personal doméstico. Cuentan sus biógrafos que el trato para él siempre fue especial, principalmente por su mal humor. Sus ataques de ira lo han impulsado a destruir a golpes habitaciones completas.

Buscaba inspiración en la calle, salía a caminar mal vestido, sucio y notablemente despeinado. Su cabellera fue una marca registrada. Iba cantando a los gritos (en los últimos años de su vida la sordera era total) y garabateando ideas de melodías en un cuaderno. Estaba completamente alterado y sólo se comunicaba a través de oraciones que apuraba en papel. Todos en Viena lo conocían, incluso muchos lo esquivaban: era un genio absoluto, eso nadie lo ponía en duda, pero nada fácil de llevar. El único que lograba calmarlo en plena crisis era su sobrino Karl, a él le quedó la herencia Beethoven completa. El músico sobrellevó en sus últimos años serios problemas económicos, su cuenta bancaria era enorme, pero no podía acceder por cuestiones legales, todo le correspondía a su sobrino.

La sordera avanzó hasta 1815. El compositor ya no escuchaba y aún así fue capaz de concebir su obra máxima: la Novena Sinfonía, en re menor, posteriormente conocida como Sinfonía Coral. El 7 de mayo de 1824 la presentó oficialmente en el Teatro de la Corte Imperial de Viena. Beethoven, totalmente sordo, subió al escenario y le dio la espalda al público –completo de aristócratas y familias nobles- de principio a fin. Nunca escuchó la ovación que le dedicaron. Y más curioso aún, nunca escuchó la maravilla que había creado. Uno de los solistas tuvo que tomarlo del brazo y darlo vuelta para que vea lo que había generado en aquel recinto.

Actualmente la Novena está considerada una de las mejores composiciones de la historia de la música. La sonda espacial Voyager lanzada hacia el espacio profundo en 1977, contiene, además de otros objetos, un disco con una grabación de la sinfonía, en representación de la humanidad.

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Beethoven: Novena Sinfonía - [1895 Gustav Mahler Edition]
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Los edificios funcionan como metáforas llenas de tuberías, materiales cocidos y detalles. Entonces, buscó los espacios que estaban más allá de lo construido. Gordon Matta Clark (1943-1978) fue el fundador de la anarquitectura, una corriente artística duramente criticada y rechazada durante los 70. No era para menos, su primera obra a gran escala fue Splitting (1974): una casa cortada por la mitad e inclinada hacia un costado para que se ensanche la fisura.

Matta Clark llegó a ser odiado por sus colegas arquitectos. En una exposición en la Cooper Union, a la cual fue invitado, no tuvo mejor idea que desmontar las ventanas de la sala de exposiciones para ubicar en su lugar fotografías de las ventanas reventadas de edificios degradados del Bronx. Las ventanas originales fueron repuestas y la participación de Matta-Clark cancelada.

Su obsesión, claro está, era el espacio. Entendía que desde la arquitectura, definida como arte, era necesario criticar, hacer foco en los cambios económicos, políticos, sociales y culturales que disparó la crisis global de finales de la década de 1970. Para su trabajo, reinterpreta elementos del pop, del minimalismo y del conceptualismo. Su obra, no objetual, tiene una fuerza inédita en el arte contemporáneo. Es una concatenación de conceptos políticos ubicados como crítica institucional.

Su desacuerdo con la actitud funcionalista del modo capitalista de aprovechar los espacios estaba presentada de de un modo poco convencional. Sus cuttings (cortar, seccionar, trozar, agujerear e incluso mover de lugar edificios) llegaron para cuestionar desde lo estético dos siglos de filosofía sobre el espacio.

Antes de fundar la anarquitectura, ya había trabajado con basura, happenings (fue muy conocida la performance de ofrecer oxígeno a los peatones de Nueva York) y se había colgado del reloj de una plaza pública para afeitarse, ducharse y lavarse los dientes. Irónicamente, una forma de apropiarse de un espacio público.

Murió a los 35 años de cáncer de páncreas. Sus acciones escapaban de galerías y museos. Lo que hoy queda de su obra son filmaciones y fotografías. También una reflexión profunda sobre recovecos urbanos que, silenciosamente, escapan de un hostil entramado económico-político.

Gordon Matta-Clark – Bingo/Ninths

¿Es usted un fanático de la tecnología analógica? Si lo es, ni se le ocurra ver el video que ilustra este pequeño comentario. Salvo que quiera ver cómo explota su cabeza. Y menos que menos continúe investigando sobre Klauss, la increíble creación de Ernesto Romeo, también conocido por haber integrado Pez, entre 2004 y 2006, banda liderada por Ariel Minimal.

Klauss es un delirio que se construye desde miles de perillitas que disparan sonidos. Romeo, junto a Francisco Nicosia y Lucas Romeo, le da forma a atmósferas densas e impulsos volátiles de formas complejas. La instrumentación, basada en equipamiento electrónico, analógico y digital, es fácil de relacionar con el movimiento progresivo de los 70, aunque el trabajo de texturas musicales es contemporáneo.

Las composiciones dejan espacio abierto a la improvisación y las bases rítmicas tienen una clara inclinación minimalista. Los temas cambian de acuerdo al contexto y la circunstancia. Cada recital es un nuevo repertorio; el trío experimenta desde una base de operaciones que dispara melodías y arreglos poco convencionales. Utilizan distintos sintetizadores analógicos: AKS, Moog, ARP, Oberheim, Prophet, y sistemas modulares; otros digitales e híbridos; secuenciadores; baterías electrónicas; guitarras; procesadores; computadoras; piano eléctrico; órgano y Mellotron, entre otros. El vivo de Klauss es un momento indeterminado, esencia principal de su concepto musical.

Es difícil entender tanto cable, tanto sistema. Todo tiene su razón de ser, cada perilla es responsable de un sonido que se busca con la precisión de un químico. Hay en la música electrónica de este nivel un intercambio superior entre hombre y máquina. Absolutamente artesanal, aunque parezca lo contrario.

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Metales Perfectos (Disco doble)
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Klauss - Metales perfectos

Una bañadera, una olla a presión escupiendo vapor y un florero también son instrumentos musicales. El ruido, incluso desde lo técnico, puede convertirse en música. El silencio: un goce estético. Depende de la interpretación. El arte, entonces, no es conveniente definirlo como la actividad de una sola persona, sino como un proceso que un grupo (colectivo) pone en movimiento. Palabras más, palabras menos, este es el concepto que desde la década del 30 defendió el polémico compositor e instrumentista John Cage (1912 - 1992).

Un revolucionario. Tal vez loco también. Sus conceptos se escaparon de toda convención y entraron en contradicción directa con la filosofía y el sentido común. Su búsqueda fue, siempre desde la música, negar cualquier intención artística. Que el arte suceda en el camino hacia la nada. Su obra fue una sucesión de sonidos desconectados, casuales, atonales, variable en sus dimensiones musicales -amplitud, duración, timbre y registro-. Estructuras indeterminadas y abiertas.

Todo su trabajo propuso un quiebre estético altamente lógico y definitivamente absurdo. Influenciado por los artistas Frances Edgar Varese y Charles Ives, primeros exponentes de la escuela que luego continuó, fue una figura determinante para definir un lenguaje caótico en la música contemporánea.

Cage utilizaba veinticinco tonos y construcciones rítmicas complicadas. Todo fue experimentación: como su instalación sonora de sumergir un gong en el agua. A principios del 40 combinó instrumentos eléctricos y mecanismos de oscilación de frecuencia, intervino pianos con bulones tuercas y pedazos de goma e intentó superar el sistema de nomenclatura musical.

La pieza más revolucionaria del opus compuesto por Cage es 4´33” (cuarto minutos y treinta tres segundos), donde el famoso pianista David Tudor se sienta en silencio frente al piano y mueve las manos tres veces durante los cuatro minutos y treinta tres segundos exactos. La obra es el silencio y los sonidos del público en la sala. Cage bautizó este tipo de composición como "música no-intencional". Concepto puro y una ruptura definitiva de las convenciones. El significado último de 4´33”' es que en el arte todo es posible, incluyendo (y aquí es donde se da el salto revolucionario) la nada. "No tengo nada que decir, y lo estoy diciendo, y eso es poesía".

Otra obra clave fue Imaginary Landscape Nº 4, una composición para doce radios y veinticuatro ejecutantes (uno para el dial receptor de estaciones de la radio, el otro para el control del volumen, y así en las doce radios). Cage ofrece a sus ejecutantes una partitura que él ha preparado, pero no puede controlar los ruidos o sonidos que las radios producirán, o si funcionarán del todo como instrumentos generadores de sonido. Su búsqueda con esta pieza era emancipar a la música de las notas.

Luego se dedicó a estudiar familias de hongos y se convirtió en un anarquista ortodoxo. Cage fue fiel representante de la libertad. Integrante del famoso grupo Fluxus, fue determinante en todas las ramas artísticas de segunda mitad del siglo XX. Especialmente el rock y el expresionismo abstracto.

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Obra completa para piano
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John Cage - Noise (1966)